DESEMPOLVADOS
rockeaa.com
En esta sección encontraras una selección de recomendaciones de los discos clasicos, que marcaron la historia del Metal en el mundo.
Angels Cry
Angra
SPV Steamhammer - 1993
Autor: Gonzalo Rodríguez
A pesar de ser el primer trabajo discográfico de Angra, desde el principio esta banda demostró tener una visión personal y espectacular del heavy metal. Englobados posteriormente en el Power Metal, Angra se adelantó muchos años a esa corriente de metal sinfónico, aunque siempre aportando una peculiar y "brasileira" visión de este estilo. De hecho, este disco quizá esté un poco más alejado del concepto general que desarrolló Angra en los 90, llevado al cúlmen en su "Holy Land", considerados por muchos como su obra maestra de la era Matos, aunque he elegido este disco, por lo sorprendente que es que una banda en su primer trabajo muestre un disco tan impecable, lleno de calidad, matices, grandes músicos, y algo distinto, y que a pesar de los intentos, nunca ha sido imitado.
La banda Angra, estaba por el año 1992, compuesta por el inigualable y carismático André Matos como vocalista( y principal compositor, además de pseudo-teclista de la banda), Kiko Loureiro y Raffael Bittencourt a las guitarras, uno de esos dúos donde no puedes ni debes diferenciar a un solista y un rítmico, Luis Mariutti al bajo, y un Marco Antunes que abandonó la banda poco antes de la grabación, siendo sustituido posteriormente por Ricardo Confessori, aunque la grabación del cd corrió a cargo del alemán Alex Holzwarth(Rhapsody). Tras la marcha de Antunes, comenzó la grabación de Angels Cry, que supondría un verdadero éxito en Brasil, y algo más tenue en Europa, aunque aún así muy grande, y que lanzaría a Angra hacia una impecable carrera discógrafica.
El trabajo se abre con la intro "Unfinished Allegro", un trabajo de música clásica que deja notar ya desde el comienzo que esta banda está fuertemente influenciada por la música más neoclásica y bárroca(recordemos que por aquellos años esta era una apuesta todavía bastante arriesgada, apenas había bandas que utilizaran elementos sinfónicos para mezclar con el heavy metal). El corte va aumentando en intensidad hasta que, al final, deja un ambiente de desconcierto y espera, con el que da salida al primer tema del disco.
"Carry On". Poco nuevo se puede decir de este tema que no se haya dicho ya, una de las más emblemáticas canciones de Angra, desarrollando una faceta muy melódica en la que predomina sobre todo la voz de Matos, usando (y abusando, que diría dimebag darrell) de unos agudos que, dado el hecho de que no marcan el destino del disco, aquí resultan impresionantes, sobre todo acercándose la recta final de la canción. Quiero resaltar una vez más el hecho de que los componentes de la banda muestran una clase y un control absoluto de sus instrumentos, cosa que no ocurre a menudo con bandas que estan publicando su primer disco.
Una preciosa línea de clavicordio y acústica nos introduce en el tema "Time", en una progrsión de acordes un poco más progresiva, y unos coros muy acorde a los rush o grupos del estilo, que luego palidecen en el momento que entra la parte más cañera del tema, que unifica junto a carry on el criterio respecto a lo que sería la banda en sus tres primeros discos, canciones cañeras, rápidas, pero no con un sonido aplastante como el que tenian quiza Blind Guardian o Helloween, sino más sutil, aunque no por ello exento de la furia guitarrística que se le espera a una banda de Heavy Metal. Uno de los clásicos de Angra, que suelen seguir tocando en sus conciertos.
"Angels Cry" Otro clasicazo de Angra, y es que este disco está plagado de ellos. Esta canción tiene una producción ligeramente diferente al resto del cd, con mayor fuerza en las guitarras, para despegarse quizá de la sonoridad a lo iron maiden que tienen partes de la canción. Un tema que mezcla los estribillos más melódicos, con partes muy rápidas o dobles guitarras rebuscadas pero con una sonoridad alucinante. El estribillo está pensado para el directo, es muy pegadizo, y fácil de cantar.
"Stand Away". Misteriosamente esta canción pasó muy desapercibida en su momento, cuando yo considero que se trata de uno de los mejores temas del disco. Comienza con una acústica preciosa, y la voz de Matos realizando una de esas melodías que ha usado a lo largo de los años, en las que transmite serenidad y mucha emoción contenida, un gran maestro del feeling el sr. Matos. Aquí se introduce la parte mñas sinfónica y épica de Angra, con los coros y las líneas de teclado que el mismo Matos compone. Tras el estribillo surge una preciosa melodia a dos guitarras de las que hacen que aprecies un disco. Inmediatamente después una parte de vocal espectacular, una melodía sobresaliente, en fin, no puedo tener más elogios hacia esta canción, es sencillamente perfecta la conjución. En momentos mas bonita y emotiva que una buena balada, y por momentos épica y sinfónica, siempre con una conexión entre las partes perfecta.
"Never Understand". Tema de inicio más brasileño, en el que destaca sobre manera la maravillosa línea de bajo, es una especie de medio tiempo con un ritmo muy brasileño, valga la redundancia, y en el que cabría tener en cuenta la labor de Matos, este tema por momentos parece hecho para su lucimiento, aunque no por ello está falto de arreglos y progresiones interesantes. Destacar también la colaboración en la sección de solos de Sascha Paeth(Heavens Gate), Kai Hansen y Dirk Slachter(Gamma Ray), los tres amigos de la banda, sobre todo estos dos últimos, ya que fue en los Hansen Studios de Hamburgo donde se grabó este disco aunque la producción corrió a cargo de PAeth y Charlie Bauerfiend.
"Wuthering Heights". Apuesta personal de Andre Metos, que en mi opinión solo podría hacer palidecer la suprema calidad de este cd, aunque hay que reconocer que los Angra manejan con cuidado y respeto esta versión de la cantante de los 80 Kate Bush, a la que Matos admira mucho.
"Streets of Tomorrow". En mi opinión el mejor tema del disco, y uno de los mejores de la historia de Angra, por una simple razón:las melodías vocales de puentes y estribillos, que son absolutamente evocadoras y elaboradas, una auténtica maravilla, aderezadas también con partes muy cañeras,solos de guitarra neoclásicos y más metaleros, y unos interesantes teclados, aparte de lineas de bajo muy sorprendentes, inesperadas, pero que tras oirlas no podrías prescindir de ellas. Una auténtica obra maestra.
"Evil Warning". Un inicio épico de coros da entrada a una canción verdaderamente apabullante, de los que harían sonrojar al mejor compositor metalero, muy rápida pero una vez más Angra da muestra de un exquisito gusto a la hora de componer, un estribillo más pausado de lo que normalmente se esperaría en uno de los 2.000 mil grupos clones del Power Metal(este ha sido el gran mal de este estilo la verdad), una canción inteligente, en la que tiene más predominio de lo habitual el teclado de Matos, de nuevo el bajo del gran Mariutti, y más influencias de la música clásica. Maravilloso tema.
"Lasting Child" Tema que cierra el disco, dividido en dos partes, The Parting Words y Renaissance, la primera parte es una balada emotiva de piano, y la segunda, una maravilla de outro, con una guitarra acústica, flautas y pequeñas orquestaciones, que te hacen ver que es el final del disco. No estan apartadas del cd por un espacio, como si fueran una sorpresa, simplemente es el final del disco y te lo están dejando claro con esta pequeña oda.
En definitva, un disco que no tiene todo el reconocimiento que se merece, a pesar de tener buena crítica, pero el trabajo que lleva detrás es sobresaliente, muchísimo más elaborado que el 90% de los discos que se producen hoy. Como conclusión, os propongo que analiceis las dos bandas de los miembros de estos Angra, los propios Angra con Kiko Loureiro y Raffael Bittencourt, y Shaaman, con el resto de la antigua formación. En mi opinión, al separarse algo que funcionaba muy bien, unos se han quedado una parte de la formula y otros otra. Angra la técnica y la composición más progresiva e intrincada, y Shaaman el lado más emotivo de sus canciones. Obviando el hecho de que esta banda se separara por razones personales o diferencias musicales, dicen por ahi que si algo no esta roto, no lo arregles, pues Angra, era una de las mejores bandas de la escena, capaces de hacer discos tan inigualables como este, así que creo que trabajos como éste no volverán nunca, por eso debemos valorarlo más si cabe.
Fecha: 17-02-2006, 16:47
Fuente: metaltotal.com
Heavy Metal Breakdown
Grave Digger
Noise - 1984
Autor: Colaboración
Hay discos que pasan a la gloria nada mas salir; METALLICA con su “Master of Puppets” por ejemplo, otros necesitan mas tiempo para la aceptación de los fans el “Turbo” de los JUDAS PRIEST como otro ejemplo; y hay discos que en su momento tuvieron gloria pero que por una serie de circunstancias se han quedado en el olvido ejemplo GRAVE DIGGER y su “Heavy Metal Breakdown”.
Esta banda alemana nacida a principio de los años 80 fue en una época una banda grande como la que más, y con sus 3 primeros discos: “Heavy Metal Breakdown” (1984), “Witchunter” (1984) y “War Games” (1985), establecieron junto otras grandes bandas (HELLOWEEN, SINNER y RUNNING WILD) lo que se conoce en Europa como Metal Teutón. Incluso su primer álbum llego a ser el disco mas vendido en Alemania antes de la llegada de los “Keeper...” de HELLOWEEN. Pero como toda banda que esta ligada a una compañía discográfica que lo único que desea es llenarse los bolsillos lo antes posible sin pensar en la música, obligó a sacar al grupo un disco mas comercial. El resultado no fue otro que “Stronger than ever” (1987) en el que acortaron su nombre al de DIGGER y cambiaron sus chupas por camisas de flores etc... El resultado no pudo ser más desastroso, perdiendo la banda todo lo ganado y desapareciendo del mapa, a pesar de que las canciones no se alejaban demasiado de lo anteriormente hecho y solo cambiaban estéticamente.
Se tendría que esperar hasta 1993 en que la banda volviera con un álbum que superaba con creces los anteriores llamado “The Reaper”; a partir de ahí la banda ha vuelto a recuperar poco a poco su estatus y manteniéndose fiel a su sonido siendo cada vez mas elaborado y afilado a pesar de los continuos cambios de formación que a sufrido la banda desde su fundación.
Pero sin darse cuenta, poco a poco (al menos en España) se han ido perdiendo esos discos que en su momento les hicieron ser grandes y que cada vez son más difíciles de conseguir al menos en nuestro país, a pesar de contar con una buena cantidad de fans aquí en España.
Su primer disco “Heavy Metal Breakdown” fue un bombazo de frescura dentro del Heavy Metal, rozando la perfección. El disco fue editado en 1984 por la compañía Noise. La carátula del cd no podía ser más heavy: una calavera con una cruz de piedra clavada en el cráneo.
En cuanto a calidad de producción deja bastante que desear, a pesar de ello resulta reconfortante saber que hay discos que mantienen esa esencia ochentera que cada vez se esta perdiendo con las remasterizaciones y que tanto caracterizan a los buenos discos de Heavy Metal (por supuesto hay excepciones).
Las 9 canciones del disco están bien elaboradas llenas de fuerza, energía y agresividad a pesar de llegar una zona en la que bajan en cuanto a nivel compositivo se refiere pero como debut no podían haber comenzado mejor.
- El álbum lo abre el single “Headbanging Man” canción con un intro de un avión estrellándose que se mezcla progresivamente con un solo de guitarra y batería, y que da paso a una de las canciones más contundentes, en cuanto a fuerza se refiere, del cd, no pudiendo evitar mover la cabeza sin parar.
- La segunda canción es la que da titulo al álbum “Heavy Metal Breakdown”. Una canción igual de potente que la anterior pero con un estribillo pegadizo que no podrás quitarte de la cabeza durante algún
tiempo.
- “Back from the war” es la siguiente canción que dura casi 6 minutos siendo la mas larga de todo el disco y que comienza con un extraño cántico como si se tratara de un antiguo rito de enterramiento apoyado por la batería y la voz de Bolthendal. El solo de guitarra es el más elaborado de todo el disco.
- La cuarta canción tiene como nombre “Yesterday” y es un medio tiempo en el que se demuestra que Bolthendal no solo tiene buena voz para los temas rápidos sino también para los lentos. Hacer especial mención en que es el único tema en que se usan teclados.
- “We wanna rock you” es el quinto tema siguiendo un esquema tipo AC/DC, la canción comienza con Bolthendal cantando en solitario el estribillo al que se le unen progresivamente los demás miembros, terminando la canción con un solo de batería y guitarra que serviría para un final en un concierto y ver como rompen guitarras, desbaratan
baterías, etc.
- La sexta canción titulada “Legion of the lost” es el tema mas elaborado del disco. Comienza con una guitarra acústica con Bolthendal acompañando; cuando piensas que te encuentras ante un tema que sigue bastante una línea oscura tipo Black Sabbath se produce una pausa y suena un potentísimo solo de batería y guitarra conjunto mientras Bolthendal pega un grito sacado desde el mismo infierno y comienza una de las canciones mas elaboradas del cd.
- La séptima canción “Tyrant”, a pesar de ser cañera, te decepciona bastante por su parecido con la segunda canción del mismo cd “Heavy Metal Breakdown” y por prescindir de solo haciendo de la canción un poco repetitiva y sosa.
- La octava canción “2000 Lightyears from home” es la mas corta del cd. Apenas llega a los 3 minutos y sigue el mismo patrón que la anterior canción aunque cargado con un solo de guitarra que deja bastante que desear después de haber oído las anteriores canciones.
- La ultima canción “Herat Attack” es la que peor se oye de todo el disco: la batería distorsionada y el solo de guitarra, además de ser muy corto, apenas se percibe. El estribillo es pegadizo pero muy repetitivo a pesar de ello recuperan un poco el nivel dejado a partir de “Legion of the lost”.
En definitiva un disco muy difícil de conseguir pero que, si tienes la oportunidad de conseguirlo, no desperdicies esa oportunidad porque no te defraudara.
FORMACIÓN:
Peter Masson guitarra
Willi Lackman bajo
Albert Eachkdat bateria
Chris Bolthendal vocal
Diezmar Billhart teclados
TRACKLIST:
1 HEADBANGING MAN
2 HEAVY METAL BREAKDOWN
3 BACK FROM THE WAR
4 YESTERDAY
5 WE WANNA ROCK YOU
6 LEGION OF THE LOST
7 TYRANT
8 2000 LIGHTYEARS FROM HOME
9 HEART ATTACK
Vicente Andrés
Fecha: 28-08-2006, 10:18
Fuente: metaltotal.com
Saratoga
Vientos de Guerra
Autor: Esteban Leonel Davalos "Moroco"
Actualmente Saratoga es una de las bandas de metal mas punteras dentro del metal español y de américa latina, quizá su formación ha sido de las mas inestables que se ha podido observar en cualquier banda, pero sin duda siempre ha tenido integrantes de alta calidad, actualmente su gira es solo en España, donde presentan los éxitos de su trayectoria en versiones acústicas, el año pasado estuvieron en México y en varios países latinos promocionando su disco Secretos y Revelaciones, donde el lugar del evento se quedo corto para tan talentosa agrupación.
Saratoga tiene canciones clásicas como Perro Traidor, Basta, Loco y Mi Ciudad, las cuales se desprenden de sus dos primeras producciones, actualmente la banda esconciderada dentro del género Power Metal, sus canciones mas reconocidas son Angel de Barro, Ave Fenix, A Morir, Ratas, El Planeta se apaga entre otras, pero existe un disco que fue el que mas le aportó a la agrupación, en el se sigue siendo fiel al Heavy pero ya se le dan los toque de Power, me refiero a el disco “Vientos de Guerra”, en el comienza la leyenda de la formación mas recordada de la banda, los originales Niko de Hierro, Jero Ramiro, y la entrada de Dani Perez a la batería y en las vocales Leo Jimenez, quien desde su entrada seria conocido como Leo la Bestia, por su excelente interpretación, sus agudos ensordecedores y su buen manejo del escenario.
Vientos de Guerra, sin duda marca un hito en la historia de Saratoga, ya que después de este, lanzarían su disco en vivo “Tiempos en Directo” donde se convinan las canciones clásicas con las del disco mecionado, sin duda es una producción super recomendada, ya que se puede apreciar los inicios de Leo como vocal principal.
motivo, Heavy Metal, Estrellas las del cielo, Las manos Unidas, también son canciones que sin duda son de alta recomendación.
Espero les guste este desempolvado que lo disfrute.
Metallica
Ride the Lightning
Elektra Records - 1984
Autor: Alberto Bernardo
Metallica es uno de los referentes del rock pesado mundial, basta con escuchar su segundo larga duración titulado 'Ride the Lightning', editado en septiembre de 1984, para llegar a esa conclusión.
Este disco representa una evolución del sonido original de la banda que encontramos en el álbum debut 'Kill 'em All' (1983), considerado como el primer álbum de thrash metal y que ha influenciado a numerosas bandas de ese sub género.
Pero Metallica quería mucho más y consiguió superarse a sí mismo con este 'Ride the Lightning' que encumbró al grupo a la primera división del heavy rock, la razón principal tiene nombre propio: Kirk Hammett, guitarrista solista proveniente de la banda Exodus que reemplazó a un Dave Mustaine con participación en las composiciones del primer disco y quien había sido despedido por sus excesos con el alcohol y algunos roces con los referentes de la banda, James Hetfield (guitarra rítmica) y Lars Ulrich (batería).
Es evidente que Hammett es más prolijo y melódico que Mustaine, sus riffs y solos en el álbum son su mejor carta de presentación, no podía esperarse menos de quien fue alumno del maestro Joe Satriani. Habría que precisar que cuando Hammett ingresó a Metallica, encontró ya compuesto el disco 'Kill 'em All', motivo por el cual no pudo imprimir su sello personal.
Las letras del 'Ride the Lightning' desarrollan básicamente el tema de la muerte, por ese motivo es considerado como un álbum parcialmente conceptual.
El inicio del disco es demoledor con 'Fight Fire with Fire', que trata del holocausto nuclear. El suave punteo en guitarra acústica hasta los 0:35 es clásico, ha inspirado canciones similares como 'Armed and Dangerous' de Anthrax. Luego de los 35 segundos iniciales todo es potencia y vértigo en auténtico estilo thrash metal, el riff de guitarra, la batería y bajo son como una locomotora que avanza incontenible, guiada por la inconfundible voz de James Hetfield.
El festín sonoro continúa con 'Ride the Lightning', que como sugieren el título y portada del álbum, desarrolla en su letra el tema de la ejecución a través de la silla eléctrica. El riff debe ser de los mejores de Metallica en toda su carrera, y la melodía vocal de Hetfield es perfecta. También destaca el extenso solo de guitarra con cambios de ritmo, bien secundado por la guitarra rítmica de Hetfield y las líneas de bajo y batería.
La canción siguiente 'For Whom the Bell Tolls' es otra de las más logradas de la banda, el riff es impresionante -pesado y melódico a la vez- y además tiene la particularidad de no incluir un solo de guitarra propiamente dicho, detalle que es suplido en la parte final por punteos entrecortados de Hammett. Por su parte, la potente voz de Hetfield nuevamente se ajusta con precisión al ritmo de la canción. La letra desarrolla un tópico que sería retomado posteriormente en la canción 'One': la muerte en guerra.
Es turno de comentar la power balada 'Fade to black', que se inicia con unos punteos de guitarra eléctrica inspiradísimos, en estilo metal neo clásico, por lo que podría afirmarse que las enseñanzas de Satriani fueron plasmadas por Hammett en esta canción. El cambio de ritmo posterior así como el potente final también son dignos de los mejores elogios, contrariamente a la opinión de algunos de los fans más extremos de la banda que en su época renegaron de la decisión de Metallica de incluir una balada en el disco. La letra es sobre un tema siempre polémico: el suicidio.
Los otros dos temas de calidad A1 del disco son 'Escape' y 'Creeping Death'.
'Escape' tiene un riff más heavy que thrash metal, pero con la misma amplificación de las demás composiciones del álbum, así que no desentona en lo más mínimo. Nuevamente se luce la dupla Hammett-Hetfield en las guitarras, mientras que el desaparecido Cliff Burton junto a Lars Ulrich lo dan todo en bajo y batería, respectivamente.
'Creeping Death' forma parte en mi criterio, de esa lista de canciones irreemplazables en un set list de la banda cuando está de gira, debido a su frenético ritmo y melodía. Por si fuera poco, la letra es interesante, pues trata de la esclavitud del pueblo judío y de las plagas bíblicas.
En resumen, 'Ride the Lightning' es un disco plenamente recomendable debido a su calidad y variedad estilística. Contiene varias canciones clásicas de Metallica, la power balada 'Fade to black' y hasta una composición instrumental titulada 'The Call of Ktulu', es decir, hay para todos los gustos.
Canciones:
1. Fight Fire with Fire - 4:44
2. Ride the Lightning - 6:37
3. For Whom the Bell Tolls - 5:09
4. Fade to black - 6:53
5. Trapped Under Ice - 4:04
6. Escape - 4:24
7. Creeping Death - 6:35
8. The Call of Ktulu - 8:53
James Hetfield - voz, guitarra rítmica.
Kirk Hammett - guitarra solista.
Cliff Burton - bajo.
Lars Ulrich - batería.
Frankdelperu
Fecha: 25-03-2010, 09:47
Fuente : metaltotal.com
Judas Priest
British Steel
Columbia - 1980
Autor: Salva G.
Sin ningún tipo de duda, el año 1980 sería clave para el Heavy Metal.
Bandas como Motorhead, que editaban aquel año su famoso “Ace of spades” o Saxon, que hacían lo propio con “Wheels of steel”, habría que añadir a Van Halen, “Women and children first”, Thin Lizzy “Chinatown” o los primeros discos de Iron Maiden, “Iron Maiden” o Def Leppard “On through the night”, además del primer álbum de Black Sabbath con Dio al frente, “Heaven and hell”, o el primer disco de AC/DC sin Bon Scott, “Back in black”, o los primeros discos en solitario de Joe Perry, “Let the music do the talking”, y Ozzy Osbourne “Blizzard of Ozz” o el algo olvidado “Animal magnetism” de Scorpions.
Pero hoy, estamos aquí para celebrar, tal día como hoy de hace 30 años, la edición de uno de los discos básicos para entender el Heavy Metal. Precursor sin duda del estilo que se denominó NWOBHM, por mucho que ellos, la banda de Birmingham Judas Priest, ya llevasen unos pocos años en el mundo del Rock.
“British steel” fue el sexto álbum en la carrera de Judas Priest. Grabado en Tittenhurst Park, la mansión de John Lennon, aunque la banda lo intentó en los Starling Studios, de Ringo Starr, representó por aquel entonces, el punto más alto alcanzado por la banda en las listas de éxito. Incluso a día de hoy, podemos asegurar que lo sigue siendo. Al menos en lo que respecta a su propio país. Y es que, aunque la banda siempre miró hacia los Estados Unidos, el verdadero éxito lo obtuvo siempre en el viejo continente.
Sin ir más lejos, en el mes de agosto de éste mismo año, 1980, concretamente el día 16, se produjo el primer Monsters of Rock festival, con Rainbow de cabeza de cartel, seguido por Judas Priest como banda invitada, para acabar de llenar el día con Scorpions, April Wine, Saxon y Riot.
Además, para el público americano la banda grabó el año siguiente “Point of entry”, en un intento, vano,sin duda, de conquistar el mercado americano.
El disco fue producido por Tom Allom, ingeniero en los primeros discos de Black Sabbath, además de haber acabado días antes la producción del primer disco de Def Leppard, y por supuesto resultó ser la presentación de Dave Holland, nuevo batería del grupo sustituyendo a Les Binks. Aunque Holland había girado con la banda anteriormente a la edición del disco, exactamente el 1 de septiembre de 1979 junto a Kiss, éste representaría su presentación oficial.
Tres serían los singles que aparecerían de éste disco: “Living after midnight”, “Breaking the law” y “United”. Sin duda alguna, los dos primeros temas de estos tres, clásicos en toda su extensión, y con todo el derecho del mundo.
El disco se abre con “Rapad fire”. Un tema rápido, de ritmo constante, tan afilado que por momentos corta, aunque solo sea la respiración mientras lo escuchamos.
Le sigue “Metal Gods”, que a la postre acabaría siendo el sobrenombre del propio Halford “Metal God”.
Resulta curioso el cómo hacían los efectos por aquellas épocas, ya que no existían simples para ellos.
Por ejemplo, los supuestos andares que se oyen en la canción a modo de marcha militar por los ejércitos, estaban realizados con una cubertería, añadiéndole efectos de botellas de leche destrozadas en el suelo. Incluso la banda llegó a usar tacos de billar para según que efectos.
El tema musicalmente sigue la onda de la banda. Guitarras potentes, ritmos machacones y la voz de Halford sobresaliendo en todo momento.
Le sigue “Breaking the law”. ¿Qué decir de éste tema?.
Seguramente tuvo mucho que ver el paro que había en Inglaterra por aquellos años, así como lo poco que gustaba alguien como Margaret Thacher con uss ideas políticas.
Creo que casi todas las bandas de Heavy del mundo han tocado una u otra vez este tema, aunque sin duda me quedo con la versión que hizo Doro en su álbum con la orquesta y que posteriormente llevó al directo en las consiguientes giras que llevó a cabo. Ese era su modo de agradecer a los chicos de Judas Priest que confiaran en ella y su antigua banda, Warlock, y los llevasen de gira por toda Europa.
“Grinder” sigue la senda del disco. Riffs potentes, sostenidos con ritmos duros y la voz de Halford en primer plano.
“United” siempre me resultó una especie de himno. Una llamada a la unión de todos aquellos que estuvieran explotados, sumisos bajo cualquier yugo, político o social.
Es posible que desentone en la tónica general del disco. Aunque su ritmo lento, no por ello deja de ser machacón. Para cerrar la primera cara resultaba hasta curioso.
“You don’t have to be old to be wise” abría la segunda cara y es toda otra declaración de principios de la banda, dejando muy claro que aunque sean jóvenes no por ello dejan de estar preparados. O lo que es lo mismo: no hay que ser viejo para ser sabio.
Resultó ser el tema más extenso del disco, llegando a superar los cinco minutos. Posiblemente sea el tema que más acerca a la banda al Rock básico, alejándolo del Heavy Metal que podría ser “Rapad Fire”, aunque como en todos los temas, Halford se desgañita a gusto.
“Living after midnight”, posiblemente el tema más conocido del grupo y el que más alto estuvo en los charts, se llevó un puesto 12 en U.K. nos devuelve a una banda con ganas de metal. Por mucho que algunos digan que con el tema la banda quiso unir el Rock con el Pop. El insistente riff de Downing y Tipton no lo escucharéis nunca en ninguna canción pop, eso os lo aseguro.
“The rage” resultó ser el momento de abertura musical de labanda en este disco. Como diciendo, hey, hacemos Heavy Metal, pero podemos adentrarnos en otros terrenos. Que sí, esposible que en sus anteriores discos ya lo hubieran hecho, pero sin duda, cualquier cosa grabada en este “British steel” fue mirada con lupa. Con un inicio algo reggae dado por el sonido de bajo de Ian y la batería de Dave, se torna en duro metal cuando entran las guitara de K.K. y Glenn.
“Steleer” cierra el disco con nota alta. Tal y como empezó: rápido, afilado, potente y dejando claro quien es el amo y señor de Metal en aquel lejano año 1980.
Aunque el año siguiente apareció “Point of entry” la banda se redimió de ello con sus dos siguientes obras: “Screaming for vengeance” de 1982 y “Defenders of the faith” de 1984.
Aunque eso, como siempre digo en estos casos, es otra historia.
Alabado sea el año 1980 que vio nacer tantos y tan buenos discos de Metal y de los cuales a día de hoy aún podemos disfrutar. Sobre todo de éste, que está a punto de salir al mercado en una nueva edición remasterizada, con un bonus cd y un bonus dvd.
Por cierto, un último comentario a la portada del mismo. Todo otro clásico del género. Diseñada por Roslav Szaybo.
Line up:
Rob Halford – voz
K.K. Downing – guitarra
Glenn Tipton – guitarra
Ian Hill – bajo
Dave Holland – batería
Listado temas:
01. Rapid fire
02. Metal gods
03. Breaking the law
04. Grinder
05. United
06. You don’t have to be old to be wise
07. Living after midnight
08. The rage
09. Steeler
10. Red, white and blue [bonus track de la reedición del 2001] (tema grabado durante las sesiones de 1985 para el álbum Turbo)
11. Grinder [bonus track para la edición del 2001] (grabado en directo el 5 de mayo de 1985 en Long Beach arena, California)
Fecha: 14-04-2010, 15:30
Fuente: metaltotal.com
Twisted Sister
Stay Hungry
Atlantic Records - 1984
Autor: Alberto Bernardo
No se puede hablar de la historia del Hard Rock y del Heavy Metal sin nombrar a TWISTED SISTER. Y no se puede hablar de los americanos, sin nombrar su disco más laureado y lleno de clásicos, no solo de su carrera, sino como decimos, de todo el Heavy Metal. “Stay Hungry” es un disco de los que no puede faltar en ninguna colección de amantes de esta música, junto a otros discos de W.A.S.P., KISS o IRON MAIDEN. Sencillamente, es un pecado y gordo. Fue el tercer disco de estudio de TWISTED SISTER, y el que les catapultó definitivamente al reconocimiento mundial, pero no todo fue tan fácil.
La historia comienza en 1973, cuando Jay Jay French se une a SILVERSTAR, y tras la sugerencia del vocalista Michael Valentine, la banda cambia su nombre por el de TWISTED SISTER. Al poco tiempo, abandonan el propio Valentine y el guitarrista Billy Diamond, entrando en 1975 Eddie “Fingers” Ojeda en su lugar y ayudando en las voces al propio French. Hasta 1976, la banda se completó con Kevin John Grace que reemplazó a Mel “Starr” Anderson a la batería, y Kenny Neil al bajo, y fue en ese año cuando el carismático Dee Snider se unió como vocalista y principal compositor, aportando un aire algo más metalero al glam-rock que venían haciendo. De nuevo otro cambio de batería, entrando Tony Petri en lugar de Grace, y TWISTED SISTER empezó a conocerse en los pubs de New Jersey, New Your y Connecticut, en gran parte por su imagen glamurosa y el saber hacer de Snider como frontman. EN esa época empezó a forjarse el pseudónimo de sus fans de “S.M.F.F.O.T.S.” (“Sick MotherFucking Friends of Twisted Sister”), porteriormente abreviado a “S.M.F.” (“Sick Mother Fuckers”).
Pero si bien ya contaban con una decente legión de seguidores, las discográficas estadounidenses no apostaron por ellos, debido a que su glam-metal no estaba precisamente de moda. Bajo la producción del famoso Eddie Kramer y con su propia discográfica, lanzaron dos sencillos: “I’ll Never Grow Up Now/Under the Blade” (1979) y “Bad Boys (Of Rock and Roll)/Lady’s Boy” (1980). Antes de estos lanzamientos, el bajista Neil abandonó la formación por discordancia con las ideas del grupo y sus nuevas creencias cristianas, y en su lugar entró el técnico y amigo de la banda Mark “The Animal” Mendoza. Después sería Petri quien se marcharía, siendo reemplazado por Richie Teeter y posteriormente por “Fast” Joey Brigton... y más adelante por A.J. Pero. En este punto, se mantendría la formación clásica de la banda.
En lo musical, TWISTED SISTER abandonó Estados Unidos y se lanzó al Reino Unido en busca de discográfica. Lo consiguió en 1982 con la pequeña Secret Records, con quien lanzarían su primer EP “Ruff Cutts”. Le sigue el primer disco “Under the Blade” (1982), y pese a ser casi underground, el reconocimiento les llega por fín y empiezan a telonear a bandas como MOTÖRHEAD. Pero al poco tiempo, Secret Records quiebra y la banda vuelve a quedarse sin contrato. En esta época, la banda adopta su look más femenino y extrambótico que a día de hoy mantienen, alejándose del look de otros grupos de Glam-Rock, y añadiendo cuero y cadenas para una imagen más “metalera”.
En 1983, Atlantic Records, quienes anteriormente les habían rechazado, firman un acuerdo con la banda y lanzan “You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll” (1983). El disco suena mejor que su predecesor, más heavy incluso que este y la banda alcanza mayor reconocimiento. La discográfica apuesta por ellos, y graban el primero de sus vídeos: “You Can’t Stop Rock’n’Roll”.La fama internacional llamaba a las puertas, y ahora llegaba el momento de la verdad: un tercer disco que les catapultara al éxito, o les cubriera de barro.
En 1984 sale a la venta “Stay Hungry”, con un sonido algo más comercial que los anteriores, pero manteniendo su característico toque metalero. Fue todo un éxito, y la banda llegó a lo más alto, con un exitoso tour donde incluso fueron teloneados por unos jóvenes MEALLICA. Los grandes clásicos de la banda están en este gran disco, y año tras año son coreados por miles de personas. Tiene ese “algo” especial que pocos discos consiguen, y es por ello que se le considera como uno de los grandes clásicos del Heavy Metal. Posteriormente lanzarían otros grandes discos como “Come Out and Play” (1985), con el video de “Be Cruel to Youe School” prohibido por la MTV y que desprestigió bastante a la banda, que posteriormente lanzaría un “Love is for Suckers” (1987) que no obtuvo el éxito esperado por lo pop de su sonido, y por los decadentes y escasos shows sin maquillaje que ofrecieron. Ese mismo año, Dee Snider deja la banda, y esta se separa y cancela su firma con Atlantic Records.
Pero una vez hecha esta extensa cronología de hechos, volvemos al disco en sí. “Stay Hungry” arranca con su tema homónimo, y un ritmo pegadizo que no nos podemos quitar de la cabeza. Una producción algo sucia, pero que genera parte de su encanto, con un bajo enorme casi por delante de las guitarras. Tras el gran tema, escuchamos una de las frases míticas de cualquier bar de hard-rock que se precie: todo el mundo cantando “We’re Not Gonna Take It”. ¿Qué podemos decir de este clasicazo? Un himno compuesto a base de un ritmo y un par de riffs bien sencillos pero con una eficacia enorme. Snider enorme casi desgarrando su voz, y unos coros que te hacen vivirla como si de un directo se tratase. Seguimos y nos encontramos con el primer momento de oscuridad del disco: “Burn In Hell” es todo teatralidad, casi podemos verla en vez de escucharla, con ese extremadamente pegadizo estribillo, y voz oscura de las estrofas. Increíble ver cómo un ritmo casi alegre, puede convertirse en algo tan oscuro con solo un par de notas y muy buenas ideas en la composición.
A continuación nos encontramos con el momento relativamente más bajo del disco, con la pareja de “Horror-teria; (The Beginning)”, compuesta por dos temas juntos en uno. “Captain Howdy” resulta algo simple, con cierto aire a lo BLACK SABBATH en su riff principal que se lelga a hacer algo pesado pese a lo corto del tema. Por su parte, “Street Justice” es igualmente simple y breve, pero su aire más rockero le da cierta gracia. Tras estos, arranca el tema más grande de la banda en toda su historia. Y no os escondáis, cualquier true-metalero de pro, cualquier “caza-dragones” o el thrasher o blacker más extremo del mundo ha gritado ese: “I Wanna Rock!!!!!”. Y tras el grito de guerra de Snider, no se puede parar de votar o de mover la cabeza con nuestra “air-guitar” y puño en alto. Enorme, sencillo, efectivo... y mítico.
Tras la euforia, TWISTED SISTER nos trae nada más y nada menos que una balada. “The Price” parece sacada de cualquiera de los discos de SCORPION, consiguiendo que se nos pongan los pelo de punta con un par de notas y todo el sentimiento posible. Increíble la comunión entre la voz de Dee Snider y la guitarra de French. Casi no respiramos y se nos echa encima “Don’t Le Me Down”, otro tema contundente con AJ. Pero tremendo al bombo, con su ritmo machacón, aderezado por el aporreo de bajo de Mendoza. Y tras este, volvemos a la oscuridad con “The Beast”, de nuevo teatral y con un riff de nuevo a lo SABBATH, de esos que Tommi Iommy sabe crear con solo cuatro notas repetidas hasta la saciedad. El final del disco llega en forma de dedicatoria de la banda a sus fans con su “S.M.F.”, otro clásico magistral, con unas guitarras enormes y un Snider gamberro como siempre y como nunca.
Es difícil calificar con palabras esta gran obra. Solo puedo recomendáosla si es que nunca os ha dado por echarle el diente. Craso error, que podéis solucionar fácilmente. Eso sí, os recomiendo que os hagáis con una copia del original, y no de la regrabación de 2004 “Still Hungry”, pues pese a que el sonido es notoriamente mejor, pierde.
Tracklist:
1 - Stay Hungry
2 - We´re Not Gonna Take It
3 - Burn In Hell
4 - Horror-teria: (The Beginning)
- Captain Howdy
- Street Justice
5 - I Wanna Rock
6 - he Price
7 - Don´t Let Me Down
8 - The Beast
9 - S.M.F.
Twisted Sister:
Dee Snider: Voz
Jay Jay French: Guitarra
Eddie Ojeda: Guitarra
Mark Mendoza: Bajo
A.J. Pero: Batería
Fecha: 01-09-2009, 12:25
Fuente: metaltotal.com
AC/DC
Back in black
Atlantic - 1980
Autor: Salva G.
El 14 de febrero de 1980, el Día de los enamorados, fue un gran día para los chicos de AC/DC. Ése mismo día se enteraron de que su último álbum, “Highway to hell” había vendido un millón de copias en América. Así que el éxito de su siguiente álbum, que sólo estaba en fase de creación, parecía un resultado asegurado.
El día anterior, 13 de febrero, Bon Scott acababa de meter su voz en el clásico “Ride on” para un single promocional de sus amigos franceses Trust mientras éstos grababan su nuevo disco “Repression” en Londres. A la postre ésta se convertiría en la última grabación de Bon y el primer disco que le dedicaban a su persona cuando salió al mercado.
Incluso una semana antes, el grupo al completo apareció por primera vez en un programa de la televisión española, el famoso “Aplauso”, interpretando, obviamente en playback tres temas: “Beating around the bush”, “Girls got rhythm” y su éxito “Highway to hell”. Al día siguiente el grupo haría una rueda de prensa para los medios españoles. Casualmente serían las últimas apariciones de Bon, tanto en un programa de televisión, como en una rueda de prensa.
Pero todo esto aún no se sabía, ni tan siquiera se podía imaginar.
La máquina AC/DC funcionaba a máxima velocidad.
Pero todo tiene un fin.
Y el de los australianos de adopción llegó el día 19 de febrero, cuando Bon fue encontrado muerto en el coche en que había pasado la noche enfrente de su casa, ahogado por su propio vómito. Un duro golpe para la banda.
Pero como muy bien dijo Angus Young, el pequeño de los hermanos: “Bon nos hubiera metido una patada en el culo su lo hubiéramos dejado”.
Así que tras incinerar el 29 de febrero el cuerpo de Bon e inhumar sus cenizas en 1 de marzo en el cementerio Fremantle Memorial Garden, cerca de Perth, la banda volvía a Londres. En sus cabezas sólo tenían una idea: “encontrar a otro cantante”.
Pero antes de que eso ocurriera, el grupo tuvo que asistir a innumerables audiciones en busca de su nuevo cantante.
Lógicamente la banda tenía sus preferencias. Desde Steve Marriott de Small Faces, hasta Angry Anderson de Rose Tattoo, un candidato a tener en cuenta, puesto que ya había tocado con Phil Rudd, batería de AC/DC en sus vieja banda Buster Brown. Además, junto a Jimmy Barnes, de Cold Chisel, ambos eran australianos y eso era un punto a su favor.
Las audiciones no dieron mucho resultado. El 90% de candidatos que llegaban a los estudios Vanilla en Londres quería interpretar “Smoke on the water”. Todos agarraban el micrófono y movían la pierna como David Coverdale.
Entre todos los candidatos, por eso, destacó un cantante algo atípico. Su nombre: Gary Pickford Hopkins, uno de los cantantes del proyecto de Rick Wakeman, “Journey to the centre of the earth”. A la banda le gustaba su voz, aunque le faltaba algo de aspereza.
Durante algún tiempo fue el candidato perfecto.
Pero enseguida saltaron otros rumores.
Stevie Wright, otro australiano que había cantando con Easybeats. Las revistas de la época se hicieron eco de la noticia. Pero nada llegó a buen puerto. Al final el 15 demarzo apareció en la prensa, en boca del portavoz de Albert’s que se había contactado con nueve candidatos más y que el grupo estaba en fase de selección.
Seguramente los problemas de Wright con las drogas fueron un problema para su elección.
De vuelta en Londres, tras su breve estancia en Australia intentando encontrar cantante, el grupo se reunió con Mutt Lange y Tony Platt, productor e ingeniero de su exitoso “Highway to hell”, para empezar los preparativos del nuevo disco, del cual la banda ya tenía algún riff, algún título y muchas ideas, y fue Mutt Lange, el ahora famoso productor, quién nombró por primera vez a Brian Johnson, el cantante de Geordie, grupo de Newcastle. Según Mutt, Brian era perfecto para el puesto. Desde 1972, cuando Brian tenía 25 años de edad, que decidió hacerse músico profesional con su banda USA, llamada después de su contrato con la compañía londinense Red Bus Records, Geordie, Brian había sido siempre el mayor punto focal del grupo, como muy bien dejaban claro las crónicas de sus conciertos de aquella época.
Hasta el propio Roger Daltrey de The Who, tras verles en su segunda aparición en el Top of the Pops inglés se acercó a los chicos y les comentó lo mucho que les habían gustado. E invitó al grupo para que usaran sus estudios.
Incluso Fang, la banda de Bon Scott antes de ser el famoso cantante de AC/DC teloneó a Geordie en dos conciertos.
Podría haberse echado todo a perder si Brian hubiera conseguido el puesto de cantante en Rainbow, justo después de la marcha de Ronnie James Dio del mismo, o hacer lo propio en Uriah Heep, pero eso no resultó.
Al final Brian viajó a Londres para una prueba para una banda que nadie le había dicho quienes eran. Tras unos momentos de confusión en un pub jugando al billar y bebiendo Newcastle Brown Ale, la banda se encerró en la sala de ensayos para comprobar cómo funcionaban las cosas.
Lo primero que sorprendió a la banda fue la no elección por parte de Brian de “Smoke on the water” a favor de “Nutbush city limits”, tema de Ike & Tina Turner. Más tarde sonaron también “Whole lotta Rosie” y algunas canciones de Chuck Berry.
Aunque en un principio la banda era reacia a hacerse con los servicios de Brian, al final resultó que realmente lo necesitaban.
Para su segunda audición, el 25 de marzo, Brian llegó dos horas tarde. La banda pensaba que no le interesaba su oferta. Poco sabían ellos que lo que realmente estaba haciendo Brian era ganarse la vida.
En aquella segunda sesión salió el tema “Given the dog a bone”.
Brian tuvo que volver a Newcastle, tenía conciertos confirmados con Geordie, Mark II y ese era su sustento de vida junto con su trabajo en la empresa Top Match, donde reparaba techos y parabrisas de coches. Fue su hermano quién le regaló su característica gorra para que cuando estuviera pegando los techos, no se le quedase en pegamento en su cabello.
Pero no todo fue bien.
El 29 de marzo apareció en la prensa la noticia: Allan Fryer de Fat Lip era el nuevo cantante de AC/DC.
Brian pensó que era lógico. Al fin y al cabo Allan vivía en Adelaida y se le había visto en el local de ensayo de la banda. Pero ese mismo día Brian recibió la llamada de Malcolm asegurándole que el puesto de cantante era suyo.
Para celebrarlo Brian se trincó una botella de whisky entera. No sólo era su excelente voz lo que le había proporcionado el puesto, ni su amor por excelentes artistas del blues y el soul, sino por su personalidad, directa y sin ambages, su sentido del humor y su amor por las cervezas y los dardos.
El 8 de abril se anunció oficialmente. Brian Johnson era el nuevo cantante de AC/DC.
Ese mismo mes, la banda comenzó los ensayos en los E-Zee Hire estudios, Pero de las tres semanas previstas, la banda sólo estuvo una. Surgió la posibilidad de ir a los estudios Compass Point en Nassau. Aunque la banda prefería unos estudios de grabación en Londres, en aquel momento no había disponible ninguno, además de que los impuestos estaban matando al grupo. Los Polar, propiedad de ABBA, y que habían sido utilizados por Led Zeppelin en alguna ocasión, estaban siendo utilizados por sus propios dueños, así que la opción de las Bahamas fue la mejor de todas.
Durantte todo abril y mayo de 1980 el grupo estuvo grabando una canción tras otra. Un clásico tras otro.
El buen ambiente que se vivía en él y las ganas de grabar algo grande fueron determinantes para ello.
Desde la primera canción que grabaron, “You shook me all night long”, quedó claro que la autoridad en la banda correspondía a Malcolm, incluso por encima de Lange y Platt.
“Rock and Roll ain’t noise pollution”, fue la última canción en grabarse. Tranquila, latente, viva, cómo ese sonido del principio. Brian dando la última calada a su cigarrillo antes de entrar a cantar el tema.
Jonna dio todo lo que llevaba dentro. Cantó todas las canciones al máximo de sus posibilidades. Al límite de su registro vocal. Notas agudas con todo el poder y emoción que podía insuflarles.
Antes de la edición del disco, un 25 de julio de 1980, hace treinta años, la banda ofreció unos pocos conciertos. Tras unas semanas de ensayos, el grupo ofreció su primer concierto con su nuevo cantante el 29 de junio en Namur, una localidad belga.
A principios de julio, el grupo se desplazó a Breda, Holanda, para filmar vidos promocionales sin público de las canciones “Hells bells”, “Back in black”, Rock and Roll ain’t noise pollution”, “You sook me all night long”, “What do you for Money, honey” y “Let me put my love into you”. Los directores encargados fueron Eric Dionysius y Eric Mistler, los mismos que habían llevado a cabo la película “Let there be rock”.
El disco fue editado, y la gira de la banda siguió sin descanso, llegando a pasar al siguiente año por España en su primera actuación real en nuestro país. Todo el mundo conoce la historia de la banda con España, que hasta le dedicó una calle. Además el 22 de agosto de 1981 la banda encabezaba el segundo festival Monsters Of Rock en Donington, delante de setenta y cinco mil personas. Aunque fue un absoluto desastre, la banda llevaba seis meses encerrada preparando canciones para su próximo disco y no habían ensayado desde entonces, la culpa del desastre la tuvo el sonido que extrajo la BBC ese día.
Treinta años después y casi cincuenta millones de copias vendidas en todo el mundo, “Back in black”, convertido en todo un clásico y en el mejor homenaje de la banda a su fallecido cantante, quedó claro que la elección de Brian Johnson fue, es y será la mejor opción del grupo para seguir adelante. El primer concierto de aquella gira fue en Perth, ciudad donde residía Bon. Allí, aquella noche, Brian dedicó “High voltaje” a la madre de Bon, su padre no asistió al concierto, y ésta le deseó sinceramente lo mejor para el cantante.
Diez temas directos de Rock and Roll, con ciertos toques blues, jazzies por parte de la voz de Brian y mucho sentimiento.
Cuarenta y dos minutos que marcaron un antes y un después en la carrera de la banda.
Grabado como ya dijimos en los Compass Point Studios y mezclado en los Electric Lady estudios en Nueva York durante dos meses, la banda explotó en cuanto a composición se refiere, así como un punto de referencia básica a la hora de intentar emular un disco de Rock exitoso por parte de todos aquellos grupos que quieran conseguir éxito.
Extrañamente aun siendo el disco más vendido de la banda, no es ni de lejos el que más alto llegó en las listas americanas, el famoso US Billboard. Ese honor se lo lleva “For those about to Rock” que llegó a número uno, quedándose “Back in black” en un más que decente cuarto puesto. Casualmente, su último disco “Black ice” consiguió ese primer puesto tan preciado por todo grupo. Han tenido que pasar veintisiete años para conseguir de nuevo ese honor.
Todas las canciones del disco fueron compuestas por Angus Young, Malcolm Young y Brian Johnson.
Posiblemente “Back in black”, el disco, tenga el inicio más reconocible de todos los discos de la banda, tanto en su primera cara, como en su segunda cara.
En la cara A, ell sonido de esas campanas resuena en nuestro interior en todo momento. Una campana que hubo de ser fabricada ex profeso para la banda. Con un peso de una tonelada, lo cual les produjo más de un problema para su transporte en los conciertos, una fundición de Loughborough, que fabricaba campanas para iglesias. La banda pidió que grabasen en ella las palabras “Hells bells” y como no, AC/DC.
Grabada por Platt hasta encontrar el sonido deseado, cuando lo consiguieron, redujeron la velocidad de la grabación, y pusieron el famoso golpe uno tras otro hasta conseguir una especie de llamada a muertos, muy acorde con la muerte de Bon.
Y en la segunda cara el riff constante y ese pequeño fraseo de Angus hace del tema el más reconocible de todos durante todos estos años.
No había mención a la muerte de Bon en ningún sitio. Pero todo el mundo sabía que el disco al completo era un auténtico homenaje a su persona.
Con un sonido seco y directo, sin efectos ni grandes ecos, la banda ofreció una nueva lección de puro y duro Rock and Roll.
Con su chillona voz, no tan cruda como la de Bon, Brian otorgó al grupo una nueva bocanada de aire, comenzando así lo que es la segunda vida de la banda. Podríamos decir que éste es el auténtico Mark II del grupo.
Los solos son brillantes, los coros precisos, los ritmos básicos pero clásicos, la voz perfecta y los temas, bien, los temas, queda claro que el paso del tiempo les dio la razón.
La banda quiso editar el disco con una portada completamente en negro, con tan sólo el nombre del grupo y el nombre del disco en relieve, algo que en su primera edición española se obvió, apareciendo el nombre del grupo sin relieve y omitiendo el nombre del disco, sólo reconocible en el lomo del mismo. Pero al final pensando que eso sería un suicidio comercial, el grupo optó por una fina línea blanca resiguiendo el nombre del grupo.
Recuerdo perfectamente a un servidor de ustedes acercándose a su tienda de discos favorita del barrio a comprar el disco.
Treinta años después de aquel día me sigue pareciendo uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor con Brian. Por supuesto mi favorito sigue siendo “Let there be rock” primer disco que cayó en mis manos del grupo gracias a mi vecino, unos cuantos años mayor que yo.
Al igual que ocurriría con Def Leppard años después, exactamente siete, con su famoso “Hysteria”, editado en agosto de 1987, y producido por el entonces ya famoso Robert John Mutt Lange, muchos fueron los temas que aparecieron en single. Seis en total. Eso deja claro la calidad de los temas que componían el disco. Más de la mitad de ellos aparecieron en aquel venerado formato.
Fuerte, potente, mágico, creo que son buenos adjetivos para definir un disco que sigue sonando fresco, directo, nada ampuloso, básico, mucho más que esos acústicos que se grabaron tiempo después. Esto es una auténtica banda de Rock and Roll, más viva que nunca,, aunque la muerte les hubiera golpeado tan de cerca, haciendo lo que mejor saben hacer: Rock and Roll. Como muy bien canta Brian al final del disco, en el estribillo final de “Rock and Roll ain’t noise pollution”, el Rock and Roll es simplemente Rock and Roll. Muy acertado.
Desde el primer momento “You shook me all night long” se convirtió en mi tema favorito del disco. Le andaba muy cerca “Hells bells”, por el sonido de las campanas. Pero la batería de “You shook me” me hacía y me hace saltar cada vez que la escucho en el inicio del tema, junto a ese sonido de guitarra tan característico de la banda. Así como final cada vez más rápido.
Que el grupo la eligiese como segundo single dice mucho en su favor. Además de ser el tema elegido también como segundo single del disco “Who made who”, una especie de grandes éxitos editados a modo de banda sonora en agosto de 1986, al igual que hoy día tenemos la banda sonora de Iron Man.
La declaración de principios que es “Rock and Roll ain’t noise pollution” fue el primero de ellos. Los siguientes fueron “What do you do for Money honey” que nos hacía revolver nuestras calenturientas mentes adolescentes con dicha pregunta, “Back in black”, “Hells bells” y Shoot to thrill”. Por este orden.
“Have a drink on me” es auténtico Boogie marca de la casa.
Poco que decir sobre este clásico. Seguramente cada uno de los fans de la banda, que últimamente son muchos, tiene su disco favorito, casi siempre aquel con el que se conoció al grupo, como dije anteriormente en mi caso “Let there be rock”, pero lo que sí están de acuerdo todos y cada uno de los fans, es que “Back in black” es el mejor disco del grupo en su segunda versión. Un disco como se suele decir, redondo.
El mundo el rock estaba expectante sobre qué es lo que haría la banda tras la muerte de alguien con tanto carisma como Bon, alguien que era sin ningún tipo de duda la cara visible del grupo, muy por delante de los hermanos, por mucho que ellos fueran los responsables del sonido del grupo, un sonido que tras 35 años, sigue tan vigente o más que el día en que la banda nació.
Tras las campanas del infierno, vinieron los cañones como saludo, pero como siempre digo, eso ya es otra historia.
Track list:
Cara A
01. Hells bells
02. Shoot to thrill
03. What do you do for Money honey
04. Given the dog a bone
05. Let me put my love into you
Cara B
01. Back in black
02. You shook me all night long
03. Have a drink on me
04. Shake a leg
05. Rock and Roll ain’t noise pollution
Line up:
Brian Johnson : voz
Angus Young: guitarra solista
Malcolm Young: guitarra rítmica y coros
Cliff Williams: bajo y coros
Phil Rudd: batería y percusión
Fecha: 26-07-2010, 08:54
Fuente: metaltotal.com
Guns 'n Roses
Appetite For Destruction
Geffen Records - 1987
Autor: Colaboración
Imaginemos o recordemos esta escena: varios tipos con pinta de afeminados, con maquillaje barato en sus rostros, polos y pantalones pegados que a la fuerza trataban de resaltar sus miembros fálicos, todos morían por ser cool, ricos, famosos y levantarse a las chicas que podían conseguir a través del rock n’ roll; pero la música en sí, había quedado en segundo plano, sólo imperaba la pose, la actitud copiada y las imágenes andróginas con ritmos y líricas complacientes, en otras palabras, el rock , se encontraba en estado comatoso, aburrido y sin ningún atisbo de seducción.
Afortunadamente, todo esto se fue al diablo, cuando casi a finales de los 80’s, 1987 para ser más exacto, una banda californiana integrada por cinco sediciosos- Axl Rose (voz), Slash (guitarra), Izzy Stradlin’ (guitarra), Duff McKagan (bajo) y Steve Adler (batería)-, típicas muestras del white trash norteamericano, con una actitud nihilista elevada a la enésima potencia y un rock pesado de raíces bluseras, inocularon al mundo entero su ópera prima, un disco de esos que los padres jamás quisieran que sus hijos lo escuchen, un disco lleno de canciones frescas y lenguaje fuerte, cien por ciento rock and roll, un disco que sirvió de bisagra a dos generaciones: la de finales de los 80’s con los nonatos de los 90’s, un disco llamado provocativamente Appetite For Destruction. Estos tipos se hacían llamar Guns N’ Roses, muchachos indomables al extremo, que más que rosas, eran puras pistolas y de grueso calibre.
Es difícil creer que un álbum tan exitoso en todo el mundo allá tardado casi un año en llegar a serlo, pero si es analizado se ve que fue censurado inicialmente en esa época, las tiendas se negaron a venderlos, porque la portada mostraba la escena de una joven violada por una especie de robot que estaba mirando la llegada de un demonio con cuchillas... estos fueron devueltos y la imagen fue cambiada a la del tatuaje que tenia axl en su brazo, una cruz con las caras de los integrantes en forma esquelética.
Si la portada inicial ya generaba polémica y malestar, pues la mayoría de las canciones tampoco se quedaban atrás, llenas de violencia, sexo, misoginia, apología a las drogas y demás excesos, causaron que los medios más populares de aquel tiempo, se negaran a promocionarlas por su contenido explícito, por lo que, la casa discográfica tuvo que lanzar la canción más inofensiva, Sweet Child O’ Mine, para que recién la MTV pasara un video de ellos, y eso fue lo que desató la invasión gunner.
Welcome to the jungle, un tema que es clásico del hard rock... es el tema que jamás aburre con un riff aniquilador y pegadizo y la vos de axl con gritos que llegan hasta el alma, esta pieza nos da la bienvenida a este mundo aparte que es appetite... y es también unos de los favoritos en las presentaciones en vivo.
It's so easy con Duff inspiradísimo en el bajo y axl cantando de manera arrogante casi hablando, expresando a la perfección la letra que habla de los comienzos de la banda, cuando según ellos no tenían dinero pero tenían un montón de seguidoras con las que hacían lo que quisieran, eso es lo que era para ellos era tan fácil...
Nightrain, potente, devastador... el estribillo es como una fuerza que se lo lleva todo, aquí slash se luce con un solo que va cambiando bruscamente, también aparece en el final con un punteo melódico que acompaña la vos de axl hasta que esta desaparece...
Le sigue Out ta get me con una letra paranoica que fue compuesta pensando en las autoridades que siempre daban con GNR haciendo allanamientos buscando drogas... esto les causo la llegada tarde a muchos conciertos... de esto se trata, de algo ellos pensaban que siempre estaba tras ellos.
Sin más viene Mr. Brownstone... rápido y eficaz con un main riff rápido con ligados y un solo con sonido distorsionado...
Paradise City, con su conocidísimo arpegio, da inicio a unos entonados coros que piden un regreso al medio oeste rural – “donde las chicas son lindas y el pasto es verde-“ luego de haberse hartados de vivir en la jungla de concreto, unos minutos después las revoluciones se multiplican, creando un ambiente de bacanal musical.
My Michelle: esta empieza con suave y en armonía, luego viene el rugido de la guitarra de Slash que rompe el clima y empieza la canción dedicada a la amiga de la banda con aficiones a la droga.
Think About You y Sweet Child O’ Mine, son las únicas con letras “positivas” sobre el amor, esta última que fue número uno a nivel mundial, tiene uno de los riffs de guitarra más conocidos y aclamados e imitados de la historia, Slash crea sobre notas repetitivas, una especie de elipse musical combinando simpleza y destreza, que da como resultado una tonada adictiva y agradable.
You're crazy y Anything goes la primera es acelerada y heavy con acordes de blues, y en la segunda se ve el empleo magistral del efecto Talk Box.
Y por el lado sexual, que mejor muestra que Rocket Queen, que contiene grabaciones de voces y gemidos de un coito real, que fueron seleccionados de un puñado de “audiciones”.
A partir de este álbum, la carrera de los Guns N’ Roses fue cuesta arriba, llegando a ser los más populares y exitosos a nivel mundial por más de un lustro. El Appetite, significó un regreso y resurgimiento del rock en su estado más puro y rebelde, con una banda que hizo de él, un estilo de vida tan comprometido, que los llevó a ser una de las representaciones mismas de su quintaesencia. Es un manual sobre cómo hacer buenos riffs y solos de guitarras memorables e increíblemente pegadizos, con líneas de bajo generadoras de suites, con una percusión precisa y salvaje como los sonidos tribales, y una voz corrosiva llena de matices y tan expresiva, que al emitir gritos, ya está diciendo mucho. Aún hoy, estas canciones siguen sonando actuales y potentes, demostrando una vez más que la guitarra es el corazón del rock n’ roll y que los que optan por dejarla de lado, sólo pueden hacer un remedo de ello, así sea bien hecho, pero un remedo al fin.
Lucas Ocampo
Fecha: 05-01-2007, 00:17
Fuente: metaltotal.com
Accept
Metal heart
Portrait Records - 1985
Autor: Salva G.
“Metal Heart” resultó posiblemente a la postre, el disco con más éxito de la banda, no tanto a nivel de ventas, sino más de popularidad. A punto de cumplir veinticinco años de existencia, desde estas páginas queremos rendirle aunque sea breve, un merecido tributo. Al disco y a la banda, por supuesto.
Es posible que “Balls to the wall” llegase más alto en las listas y que el grueso de fans prefiera “Restless and wild” un disco que posiblemente contenía la primera canción de Speed metal: “Fast as a shark”, y donde por fin Udo cantaba todas y cada una de las canciones, pero particularmente creo que con “Metal Heart” la banda llegó a lo más alto.
Muchos fueron los puntos que favorecieron este hecho.
La banda mantenía una formación más o menos estable desde hacía ya cinco discos.
Udo Dirkschneider a las voces, Wolf Hoffmann a la guitarra, Peter Baltes al bajo, Stefan Kaufmann a la batería y Jorg Fischer a la otra guitarra, éste último de vuelta a la banda tras su salida momentánea y sustituído por Herman Frank.
Fue el primer disco que la banda dejó en manos de un productor externo, el todo poderoso Dieter Dierks, que aunque la banda había utilizado sus estudios para sus anteriores discos, los no menos famosos Dierks-Studios, jamás habían dejado a nadie que no fueran ellos mismos la producción de sus discos a manos ajenas.
Y posiblemente lo que le otorgó más fama a este disco fue el equilibrio entre sus duras guitarras y sus melodías encantadoras.
La banda actuó en nuestro país los días 17 y 18 de abril, en Barcelona y Madrid respectivamente, en el lejano año 1986 y los americanos Dokken tuvieron el inmenso privilegio de abrir para los alemanes. Decían las crónicas de la época, lo recuerdo perfectamente, que si esta misma gira se hubiera producido en América, el cartel hubiera sido al contrario: Accept hubieran abierto para Dokken.
Bien es cierto que en aquellos días, la banda estaba a punto de editar su nuevo disco “Russian roulette” y que la gira que les trajo a España se enmarcaba en dicho tour, y como es normal la banda interpretaba temas de su álbum a editar en los shows, pero los conciertos se realizaron unos días antes de que el disco se pusiera a la venta, así que técnicamente podría decirse que los conciertos pertenecían a su anterior gira. Tour que cosechó un enorme éxito, como muchas otras bandas de Heavy Metal, en el país del sol naciente.
Japón es un consumidor, aun a día de hoy, del buen Heavy Metal, así que tras esa exitosa gira por Japón, y mientras la banda grababa su nueva obra de estudio, la discográfica editó un mini LP de nombre “Kaizoku-Ban” en agradecimiento a sus fans nipones y en extensión al resto del mundo puesto que el disco vio la luz a nivel mundial.
Las posteriores ediciones del disco en formato cd contenían dos temas extraídos de ese disco en directo. “Love child” y “Living for tonite”
Pero esto era la vieja Europa. La que se volvía loca con las banda de Heavy Metal. Dorados años 80. La NWOBHM seguía más viva que nunca y Def Leppard, Motorhead, Iron Maiden, Judas Priest, Scorpions o Rainbow eran bandas sagradas.
Entrando ya en el disco propiamente dicho, destacaría sin ningún tipo de dudas y por encima de cualquier composición el tema que lo abre y que da título al disco: “Metal Heart”.
Primero por contener una de las mejores introducciones que jamás se han hecho en el mundo del Heavy Metal. “La Marcha Slavonica” de Tchaikovsky llevada con muy buen gusto al mundo del metal. Y por supuesto, el solo de guitarra de Wolf, extraído directamente de “Für Elise” de Beethoven. Todo muy de la vieja escuela Blackmore y sus Rainbow.
Lo segundo que sorprende en el disco, es el acercamiento al mundo del Jazz por parte de la banda en un tema tan distinto estilísticamente del resto como es “Teach us to survive”, con un Udo en labores de auténtico corner americano.
El disco explotó en América gracias a la delicada mezcla de melodías y dureza de sus canciones. Accept era una banda de Heavy Metal, pero sus melodías eran perfectas para sonar en la radio. Tenía gancho comercial.
Aquellos eran años en los cuales las bandas editaban un disco por año.
Estudio, gira, estudio, gira….una montaña rusa sin fin.
Pero todos y cada uno de los álbumes era superior al anterior.
Cuenta el propio Udo que la época que va desde la edición de “Breaker” (1981) hasta la de “Metal Heart” (1985) es la mejor de toda la historia de la banda.
Se podría entrever de sus palabras que éste es el punto álgido de su carrera como banda, al menos en cuestiones compositivas.
A día de hoy, que suena una posible edición de un disco de la banda con Mark Tornillo reemplazando a Udo, en este 2010, bajo el nombre de “Blood of nations” y producido por Andy Sneap, que sigue con su carrera en solitario, estaría bien que hicieran un pensamiento, reflexionasen, y unieran sus fuerzas para volver a unir sus fuerzas: Udo, Peter, Wolf, Hermann y Stefan.
Mientras eso no suceda, nosotros seguiremos disfrutando de este clásico de clásicos en nuestro tocadiscos, escuchando temas como “Up to the limit”, tremenda versión que aparecía en el no menos clásico y mítico disco “Stars” grabado por lo mejor y más granado del panorama Heavy bajo los auspicios del gran Ronnie James Dio, bajo el nombre de Hear ‘n Aid, “Screaming fo the love-bite”, “Living for tonite”, “Wrong is right” o “To high to
get it right”.
En definitiva, podía haber elegido alguna de sus dos anteriores obras, “Restless and wild” les puso en el mapa y “Balls to the wall” les presentó mundialmente, pero para el que esto suscribe, un humilde servidor de todos ustedes, éste es sin duda su disco favorito de la banda.
Antes de finalizar quisiera hacer una pequeña referencia a la icónica portada. Seguramente la portada más efectiva en el mundo del metal. Aunque el concepto original de la misma era un holograma en forma de corazón metálico, la banda tuvo que desechar dicha opción por su elevado coste, pero al menos mantuvo la idea de un corazón metálico en la portada, algo que muchos de nosotros hubiéramos matado en aquel entonces por tener.
Escuchando a día de hoy el disco podría asegurar que Judas Priest tomó buena nota de él. Aunque Accept ya había taloneado al grupo en su gira de 1981, si no recuerdo mal, está claro que “Turbo”, el disco de los ingleses editado en 1986 había bebido bastante de las composiciones de los alemanes. Sin olvidarnos del vestuario que la banda lució en el video de “Midnight mover”.
Line up:
Udo Dirkschneider – voz
Wolf Hoffmann – guitarra, sitar y coros
Jorg Fischer – guitarra y coros
Peter Baltes – bajo, teclados y coros
Stefan Kaufmann – batería
Track list:
01. Metal Heart
02. Midnight mover
03. Up to the limit
04. Wrong is right
05. Screaming for a love-bite
06. Too high to get it right
07. Dogs on leads
08. Teach us to survive
09. Living for tonite
10. Bound to fail
Fecha: 16-03-2010, 16:23
Fuente: metaltotal.com